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jueves, 29 de marzo de 2012

FRIKIESCENAS DE AYER, HOY Y SIEMPRE: "BIENVENIDO A CASA"

 Polifacético como pocos, David Trueba también se embarcó en esto de dirigir películas. No le caía de nuevo ya que había sido guionista y había trabajado más de una vez con su hermano, el más famoso Fernando, dueño de un oscar por "Belle Epoque" y nominado como mejor película de animación en los oscars de 2012 por "Chico y Rita".

David Trueba decidió que, tras su más que prometedor debut con "Soldados de Salamina", una de esas pocas ocasiones en los que la película emociona más que el original literario, se quería dar un descanso y se lanzó a dirigir "Bienvenido a casa", una de esas comedias que se las dan de modernas pero que resultan ser poco transgresoras.


Como conjunto no era una gran película pero tenía sus buenos momentos gracias la construcción de sus personajes (sobre todo los secundarios que trabajan en la revista) que conseguían hacer reír y pasar un buen rato con sus personalidades alocadas. Personajes que fueron otorgados a actores en estado de gracia y entre ellos destacar el interpretado por un hoy casi olvidado Jorge Sanz que realiza una verdadera perfomance de aquellas que quitan el hipo mediante un tipo crápula y sin ningún escrúpulo. Una de nuestras escenas favoritas a la hora de seguir siendo frikies. Pero que quieren que les diga, el tío está que lo borda.


Visto lo visto, este tío se merece un homenaje...

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martes, 27 de marzo de 2012

EL ENCANTO DEL TERROR DE LOS AÑOS 70 Y 80. RAZONES PARA REMAKEAR.


Hasta hace poco tiempo (si no nos equivocamos la última vez fue con el remake de “Noche de miedo”, las grandes lumbreras de los despachos de las grandes compañías de cine había pensado que era un buen filón revisionar las lejanas películas de terror que poblaron las salas de barrio de muchas de nuestras ciudades, allá por los lejanos 70 y principios de los 80. Nos gustaría saber los porqués (aparte del consabido argumento del dinero fácil y rápido) a este revival. Así que nos lanzarnos a bucear en el tiempo y en los archivos para descubrir que pasó en el cine de terror de aquella época para que treinta años después esté siendo revisionada una y otra vez. Sirva este nuestro pequeño homenaje a un tipo de cine que se ha intentado copiar infinidad de veces en la actualidad sin saber que eran otros tiempos, ni mejores ni peores, pero sí diferentes. Ya advertimos que quedan muchas y muchas más películas en el tintero pero baste esta muestra para que todos aquellos que alucinen rebusquen en viejas videotecas.


Y eso que a principios de los 70 el género de terror no parecía pasar por su mejor momento. La clásica productora Hammer languidecía entre obras menores y los monstruos de siempre ya no asustaban a nadie. Además, años antes, el interés se había derivado hacia el fantástico preocupados más por invasiones alienígenas o por los efectos de la temida radiactividad que daba lugar a extrañas mutaciones como animales o insectos gigantes o seres humanos que sufrían sus consecuencias. Una pequeña joya: “El increíble hombre meguante” de Jack Arnold. 


En los años 70, el cine, en general, vivió una revitalización promovida por el cambio en las ideas y en la concepción de la realización de las películas. Se hizo más adulto, más realista, más crítico y dejó de ser un mero vehículo de entretenimiento para abordar temáticas más profundas. (Recomendamos el libro “Moteros tranquilos, toros salvajes”). Es la época de Vietnam, de Nixon, del movimiento hippie, de películas como “Cowboy de medianoche” ganando el oscar en 1.969. 


El género de terror tampoco fue ajeno a esos cambios. Se hizo más cruel, más descarnado y sobre todo más cercano a nuestros temores. Es el caso de “La última casa a la izquierda” de Wes Craven que aunque es un bruto alegato sobre la violencia, debido a la crudeza de sus imágenes, bien puede enmarcarse como película de terror. 


Y el concepto del mal empezó a ser superior al bien que hasta entonces siempre había ganado todas las batallas. Aparecen nuevos terrores y se renuevan los antiguos monstruos. Por ejemplo, el MAL, así con mayúsculas, el innombrable, hace su aparición en la tierra. Lo hizo a lo grande en el lejano 1968 engendrando un hijo de la mano de Polanski en “La semilla del diablo”. Poseyó a la niña Megan en “El exorcista” y cuidó de su hijo en “La profecía” que bien mirado incluso se podía pensar como una continuación de “La semilla del diablo”. Ante el gran mal aparecen unos nuevos héroes que no son otros que los sacerdotes católicos aunque a veces sus planes para detener al demonio no estén demasiado claros. Es el caso de “La centinela”, película poco conocida, de serie B pero de muy buen ver, donde una chica alquila una casa y se ve sometida a extraños sucesos que parece ser que tienen que ver con el habitante del ático. Es la otra cara de la moneda de “la semilla del diablo” con la que guarda algunas similitudes. 


 Otro de los monstruos que generó aquella época fue la América profunda. Como ejemplos en la actualidad podemos referir “La casa de cera” y “La casa de los 1000 cadáveres” y su secuela “Los renegados del diablo” que al menos son guiones originales y no remakes como el que ya se ha hecho sobre “La matanza de Texas” o “Las colinas tienen ojos” (todas ellas películas que hay que ver... bueno “La casa de cera” como que…). “La matanza de Texas” de Tobe Hooper fue un hito en el cine de terror y si hoy en día se visiona produce la misma sensación de desasosiego y de asco que la primera vez. Agobiante hasta extremos insufribles dio en el clavo con la familia ganadera psicópata que se dedica a la carne humana. Menos conocida es “Las colinas tienen ojos” de Wes Craven donde la familia Carter sufre un accidente en la profunda Arizona que les deja a merced de una familia de caníbales-mutantes liderados por Papá Júpiter. Puede decirse que ambas películas son primas hermanas. Son los primeros filmes de terror explícitamente violentos y gore donde se veían torturas y vejaciones narradas con todo detalle. 


Y de aquellos barros, estos lodos. La familia psicópata daría paso al psycho-thriller, un elemento de terror copiado hasta la saciedad desde la aparición de “La noche de Halloween” de John Carpenter. Personajes perturbados que se dedican a incordiar a canguros como en la de Carpenter o la de “Llama un extraño” que también tiene su remake mucho mas light, o en un tren donde se celebra una fiesta de graduación. “El tren del terror” estaba protagonizada por Jaime Lee Curtis que también era la protagonista de “La noche de Halloween". Otras películas de este estilo de aquel tiempo aunque algo menos interesantes fueron “El asesino de Rosemary” o “Sabes que estás sola” donde un psicópata va dejando un reguero de víctimas y de sangre mientras busca a la infeliz protagonista que anda enfrascada en preparar su boda. 


Una gran variante de este género es “Solos en la oscuridad” donde no son uno sino cuatro los psicópatas que tras conseguir escapar de un centro de enfermos mentales de alta seguridad, deciden asediar a una típica familia americana. Buen ritmo, alguna sorpresa inesperada y actores como Jack Palance, Donald Pleasance o Martin Landau dan lugar a otro pequeño hito en este género. 


También los zombies, esos muertos que vuelven de sus tumbas sedientos de sangre, se hicieron muy famosos por entonces. Los italianos se dedicaron a masacrar a tan simpáticos personajes con bodrios como “La invasión de los zombies atómicos” o “Miedo en la ciudad de los muertos vivientes”. Sin embargo quiero destacar la coproducción hispano-italiana “No profanar el sueño de los muertos” de Jorge Grau con una buena puesta en escena y una historia con un tinte ecológico además de la sang y el fetge. 


Y en lo anglosajón recomiendo “Muertos y enterrados” del año 81, película ya de culto entre los fans del terror, algo olvidada, pero con una variación al tema de muertos vivientes muy original y con un final de esos que se te marcan en la memoria. Los que no la conozcan y la vean descubrirán que algunos impactantes desenlaces de películas de éxito de nuestra época no son tan originales. 


Y no queremos terminar sin hablar de casas encantadas. A todos nos viene a la cabeza “Terror en Amityville” versionada recientemente en “La morada del miedo”. Menos conocida es la inquietante y espléndida “Al final de la escalera”. Un pianista, que ha perdido a su familia, se refugia en una casa solitaria en busca de paz. Ruidos en el altillo convertirán su estancia en un calvario. Para él y para los espectadores. Imprescindible.


 Volvemos a repetir antes de terminar. Sólo es un pequeño aperitivo de lo que realmente hubo en aquella época. Hemos dejado en el tintero muchas películas y os desafiamos a verlas y sufrirlas (o disfrutarlas). El cine ha vuelto a cambiar mucho desde entonces y puede que muchos de vosotros no queráis ver estas películas porque os parecen anticuadas o que incluso os puedan producir risas por su diferente factura técnica. Tal vez estéis equivocados. Darles una oportunidad. Tal vez tras verlas os riáis cuando vayáis a ver una película moderna de terror. Por lo menos a mí es lo que me pasa. Os aseguro que he pasado más miedo con todas estas películas que con muchas de las que he visto actualmente. Merecen la pena. 


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jueves, 22 de marzo de 2012

ENTRE TAQUILLAS ANDA EL JUEGO: DEL 16 AL 18 DE MARZO

Puede parecer mentira que en los tiempos que corren, en los que el consumo rápido es la cualidad más valiosa, una película consiga tener una mayor recaudación en su segunda semana que en la semana de su estreno. Y si encima esa película es capaz de desbancar en taquilla a una de las mayores apuestas de la Disney, ese blockbuster llamado "John Carter, con  una campaña publicitaria descomunal, está claro que hay que hacérselo mirar. Pero si, por si eso fuera poco, resulta que tal película viene del país vecino, lejos de los mastodónticos presupuestos que se gastan allende el océano Atlántico, y que es una comedia, ya es para decir que o estamos locos o es que la crisis realmente nos está afectando. Porque eso es "Intocable", una película con un taquillaje más que histórico en Francia (diez semanas en lo más alto del ránking) y que en nuestro país parece tener buena acogida. Lleva 3 millones y medio de euros en dos semanas. 


Y nuestra "comedia española" de la semana, "La montaña rusa", dirigida por Emilio Martínez Lázaro no aparece ni por casualidad ya que sólo ha recaudado 99.000 euros. ¿Ah?, pero es que ¿no os habíais enterado de su estreno?. Seguramente no. Seguimos diciéndolo:  no sabemos vender nuestro cine, algo que se suma a la crónica crisis que dice que al españolito medio lo que viene de nosotros no nos interesa lo más mínimo.


Porque "Luces rojas" del siempre potente Rodrigo Cortés, aunque ha tenido mejor suerte, está a punto de desaparecer del top ten tras tres semanas de permanencia y 2,5 millones de euros. Que una película que es un buen thriller y encima protagonizado por actores del calibre de Robert de Niro, Sigourney Weaver y Cillian Murphy, esté a estas alturas en tal posición vuelve a indicar que todo aquello que en el cine tenga algo de sabor español, más vale no "meneallo". Y seguimos sin entender porqué.


Cuatro semanas y más de cinco millones de euros de recaudación. Ese es el éxito de "La invención de Hugo", la contrapartida "scorsesiana" a la multitriunfadora "The artist" a la hora de afrontar un homenaje a los orígenes del cine. Por cierto: ¿Por donde anda "The artist" en la taquilla?


Y de los estrenos de este fin de semana pasado, destacar la tercera posición de "Contraband" y la cuarta de "Devil Inside" que refuerza la teoría según la cual las grandes masas que van al cine lo hacen intentando encontrar la gran evasión que supone el cine. Una de acción y otra de terror. Vamos, dos de los géneros más palomiteros. Y es que para dramas ya tenemos la vida real. Tal vez por eso busquemos refugio en la oscuridad de las salas, nos olvidemos de esa vida real y nos adentremos en comedias divertidas como "Intocable".

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martes, 20 de marzo de 2012

CRÍTICA: "THE ARTIST": MUCHO RUIDO PARA NO TANTAS NUECES.


Elogiada hasta la saciedad y multipremiada como para decir basta, "The artist" se ha convertido en el fenómeno cinematográfico de la temporada entre la crítica especializada y los compañeros de profesión. Y siendo una de nuestras pasiones las películas que se ocupan y tratan del mundo del cine, no se podía pedir más. Y esperando disfrutar de una hora y media larga de (séptimo) arte, nos encontramos con un pequeño vacío que nos hace dudar incluso de nuestra propia sabiduría cinematográfica. ¿Qué nos ha fallado para que "The artist" sea vista y consumida sin el entusiasmo que teníamos predeterminado? ¿Por qué no hemos sabido encontrar esas  grandes dosis de magia que se suponía iba a hacernos levitar? ¿Tal vez no entendemos ni una pizca de cine y debamos cambiar de hobby? ¿Realmente tanto premio era merecido? ¿Puede que toda la campaña de ensalzamiento de "The artist" haya podido alterar nuestra percepción a la hora de visionar la película?


No queremos decir que "The artist" sea una mala película, que no lo es -en cuanto a Oscars más de una  a lo largo de la historia de estos premios quedaría por debajo de la calidad de aquella (revisar "Forrest Gump" es dolorosamente ridículo con su mensaje de que para ser un buen americano debe ser uno algo gilipollas, con perdón)- pero tampoco nos parece la joya que nos han querido vender. Entramos a trapo.


"The artist" es una pequeña delicia que te engancha y retrotrae a un mundo que para muchos ni siquiera existió, los primeros años del cine, aquellos años en los que el cine mudo daría paso al sonoro y hundirse en el olvido. Su director, Michel Hazanavicius, sabe magistralmente estudiar y recoger de forma sencilla pero también muy calculada, una forma de vida hoy extinta además de una forma de hacer cine que hoy sólo existe en las filmotecas como si de historia se tratase y que muchos buscarán en la sección arqueología. La historia es tan sencilla como el cine: el auge y caída de un actor de cine mudo que se rebela ante la llegada del sonido a las salas de cine y el nacimiento y auge de su discípula que comienza su carrera adaptándose al nuevo fenómeno cinematográfico. Pero ¿consigue también esa maestría a la hora de su traslación a las imágenes?


"The artist" va dejándose ver pero es hacia la mitad del metraje que algo parece romperse y las dudas sobre lo que estamos viendo aparecen. Todo el mundo dice que es un producto arriesgado ya que hacer una película en blanco y negro y además muda en los tiempos que corren tiene su aquel. Pero, ¿era necesario semejante recurso para "The artist" o sencillamente más que un recurso es una estratagema para captar la atención? Y ante la pregunta aparece el artificio y el sueño se desvanece como un castillo de naipes. 

Y es que para contar tal historia no hacían falta tales alforjas. Que el director francés sea una apasionado del cine mudo no lo ponemos en duda. Y que su intención es glosar en su película todo lo que fue y es (¿por qué no decirlo?) el cine mudo, tampoco. Pero una cosa es la intención y otra el resultado. Porque la historia, tal y como hemos comentado, es sencillita, la acumulación de situaciones y personajes es desmedida de forma que muchas escenas son meramente anecdóticas (hay una falta de decisión por parte de Hazanavicius bastante notoria a la hora de cortar ciertos momentos del film que le hubieran dado tiempo para profundizar en otros) y dando la sensación que todo ocurre atropelladamente sin tiempo para el espectador para recoger y saborear lo que el director nos quiere hacer llegar y que no consigue en su totalidad sin llegar a saber si vemos un drama, una comedia o un musical, tres de los géneros más conocidos de aquella época ya tan lejana.


Puede que en su conjunto "The artist" sea una película parcialmente fallida pero también tiene momentos aislados de gran belleza como el encuentro entre los dos protagonistas a pie de una escalera o el sueño/pesadilla del protagonista que se ve envuelto en el sonido, momentos divertidos (el perro es todo un hallazgo interpretativo), la actuación  de Jean Dujardin, memorable en su composición, la banda sonora impecable que con toda su potencia da más de media vida a todo el metraje  y varios más que otorgan a la película ese cariño que Hazanavicius no supo imprimir al trabajo de toda su vida. Porque "The artist" no consigue que queramos bucear en filmotecas en busca de un cine silente con innumerables joyas, ni tampoco el gran homenaje que se merece el cine mudo. Y sí, seguramente esa misma historia pondrá a "The Artist" en su sitio y ojalá, por el bien del cine, nosotros nos hayamos equivocado con nuestra percepción de esta exageradamente (creemos) premiada película.


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domingo, 18 de marzo de 2012

LOS VIERNES ESTRENO: TIEMPO DE DIRECTORES


CONTRABAND:
Remake de la película islandesa "Reykjavik-Rotterdam" que en este la versión americana protagonizan Kate Beckinsale y MMark Wahllberg. Hace tiempo que Chris Farraday (Mark Wahlberg) dejó el mundo de la delincuencia, pero cuando su cuñado Andy  mete la pata en un asunto de drogas encargado por su implacable jefe Tim Briggs, Chris se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda de Andy. Chris es un legendario contrabandista y no tarda en reunir a un equipo de primera con la ayuda de su mejor amigo, Sebastian, y realizar un último viaje a Panamá para traer millones de dólares en billetes falsos.
Pero las cosas no salen como estaba previsto y con solo unas horas para hacerse con el dinero, Chris deberá hacer uso de sus oxidadas habilidades y superar una traicionera red criminal con brutales narcos, polis y sicarios, antes de que su esposa Kate y sus hijos se conviertan en objetivos.


TAN FUERTE, TAN CERCA
Esta película tiene un nombre propio, su director Stephen Daldry, creador de obras como "Las horas" y "El lector". En esta su nueva obra se acerca peligrosamente al sentimentalismo en una historia que tiene como trasfondo los atentados de las Torres Gemelas de New York. "Tan fuerte, tan cerca", una adaptación del aclamado best seller de Jonathan Safran Foer, narra la historia de la joven mente de Oskar Schell, un ingenioso neoyorquino de once años que, tras descubrir una llave entre las posesiones de su difunto padre, decide registrar con apremio toda la ciudad en busca de la cerradura que abrirá. Un año después de que su padre muriera en el World Trade Center, el día que Oskar llama "El día fatídico", decide mantenerse unido al recuerdo del hombre que un día le enseñó a través de los juegos a enfrentarse a sus peores temores. Cuando Oskar recorre los cinco distritos de Nueva York en busca de la cerradura perdida, conoce a un montón de personas diferentes, supervivientes a su manera, que le hacen descubrir cosas sobre el padre al que extraña, la madre de la que se siente tan distanciado y el ajetreado, peligroso y confuso mundo que le rodea.


LA MONTAÑA RUSA
Con un título semejante se presenta la nueva película de Martínez-Lázaro, siempre conocido por aquel musical llamada "El otro lado de la cama". Tras "Las trece rosas" vuelve al terreno de la comedia y en este caso con un cierto toque sexual. Un triángulo entre dos hombres (Alberto San Juan y Ernesto Alterio) y una mujer (Verónica Sánchez). Tres amiguitos de la infancia que vuelven a encontrarse muchos años después: una mujer y dos hombres. Un triángulo: en un vértice, el sexo; en otro, el amor; y en medio… nuestra protagonista hecha un lío.


TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN
Eva deja a un lado su carrera y sus ambiciones para dar a luz a Kevin. La relación entre madre e hijo es difícil desde los primeros años. Cuando Kevin cumple 15 años hace algo irracional e imperdonable a ojos de la comunidad. Eva lucha con sus propios sentimientos de dolor y responsabilidad. ¿Alguna vez quiso a su hijo? ¿Cuánto de lo que ha hecho Kevin es culpa suya?.  "Tenemos que hablar de Kevin" es una mezcolanza de thriller y drama familiar en la que destaca la siempre eficaz Tilda Swinton que se hace con el papel de madre sufridora en esta película con pocas concesiones al espectador.


DEVIL INSIDE
En 1989, los servicios de emergencia recibieron una llamada al 112 de Maria Rossi (Suzan Crowley) confesando que había asesinado brutalmente a tres personas. 20 años después, su hija Isabel (Fernanda Andrade), trata de comprender la verdad de lo sucedido esa noche y viaja al Hospital de Centrino para depravados mentales en Italia, donde su madre ha sido encerrada para determinar si es una enferma mental o está poseída por demonios. Isabel decide reclutar a dos jóvenes exorcistas (Simon Quarterman y Evan Helmuth) que podrían curar a su madre usando métodos poco convencionales que combinan la ciencia y la religión. Nueva película que trata el subgénero de las posesiones demoníacas y los exorcismos más cercana a las vistas últimamente como "El exorcismo de Emily Rose", películas de bajo presupuesto, con pocos efectos especiales y dándolo todo en la forma de rodar o dicho de otra manera, "creando ambiente".


LAS MALAS HIERBAS
Cualquier película de Alain Resnais hace las delicias de muchos especialistas de cine, amantes de la cinematografía inteligente del director galo. Marguerite no contaba con que le robaran el bolso al salir de la tienda. Y menos aún con que el ladrón tirara lo que había dentro en un aparcamiento. En cuanto a Georges, de haberlo sabido, no se habría agachado a recogerlo.Entre estos dos personajes que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos. BUen pulso para una película dedicada a algunos sibaritas.


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lunes, 12 de marzo de 2012

EL LADO OSCURO: JEAN SEBERG


Año 1960: Su imagen de jovencita de pelito corto, con su camiseta del "New York Herald Tribune", vendiendo periódicos en mitad de los mismísimos Campos Eliseos de París, se convierte en un icono de la modernidad y en un ejemplo a copiar por muchas otras jovencitas y en objeto de deseo de los jovencitos y no tan jovencitos.
Año 1979: Después de una semana desaparecida, su cadáver aparece medio descompuesto cerca de un basurero de las afueras de un París real que tal vez poco tenía que ver con el París cinematográfico que la encumbró en el libro de historia del séptimo arte de la mano de Jean Luc Godard.
Año 2012: En la actualidad el mito de Jean Seberg se mantiene en la mente de muchos cinéfilos pero para el público en general es toda una desconocida. Hoy en día su persona sigue siendo un verdadero misterio.



Por mucho que pueda parecer, la Seberg no era francesa sino americana y muy pronto, con 18 años, aparecía en pantalla de la mano de uno de los directores clásicos. Otto Preminger le eligió entre más de 18.000 candidatas para el papel protagonista en una nueva versión de Juana de Arco, film de tinte casi expresionista y trasfondo psicológico donde una debutante Seberg sabe imprimir un carisma al personaje (con fuertes connotaciones andróginas) difícil de olvidar. Ese carisma provoca ya las primeras reacciones encontradas hacia su persona. Mientras los sectores progresistas aplauden el valor de su actuación, los sectores religiosos fundamentalistas de los Estados Unidos atacan sin piedad a la actriz, una actriz que volvamos a informar, tiene 18 años y se enfrenta por primera vez al ojo descarnado de una cámara de cine y a todo lo que ese ojo lleva detrás a nivel social.




Fuera su desparpajo, su carisma o su juvenil belleza, lo cierto es que Otto Preminger vuelve a ella un año después para interpretar el papel de Cecille, personaje principal de la novela de Françoise Sagan, "Buenos días, tristeza", novela convertida en aquella época en fenómeno social, un drama entre sentimental y generacional que causó furor desde su publicación en el año 1954, una exposición de cierta sociedad acomodada que da rienda suelta al culto al placer. Un vivir hedonista donde el elemento perturbador (en este caso el personaje de Anne, nueva amante de Raymond, padre de Cecille, mujeriego y seductor) termina por desencadenar la tragedia. La actuación de Jean Seberg, en un papel que en principio iba a ser interpretado por la mismísima Audrey Hepburn, encandila a un entonces crítico de cine llamado Jean-Luc Godard. El resto es historia. Jean Seberg daba el pistoletazo de salida junto a Jean Paul Belmondo a la nouvelle vague francesa en "Al final de la escapada" en una nueva actuación que junto al papel protagónico de "Buenos días tristeza" hizo que muchos franceses, en un ataque de su famoso chauvinismo, creyeran que la ahora mítica estrella de cine había nacido en tierras galas.


Por si eso no fuera bastante, participó en una de esas películas que con el tiempo tambien llegó a alcanzar un aura mítica. Jean Seberg compartió música y canciones con Lee Marvin y Clint Eastwood en "La leyenda de la ciudad sin nombre" donde su interpretación musical eran de aquellas que dejaban huella. Y si tantas huellas iba dejando a lo largo de su corta carrera (en el tiempo) pero dilatada (en cuanto a películas) ¿por qué Jean Seberg fue deshaciéndose como un azucarillo hasta ser hoy una actriz semidesconocida?. Su vida interior, que no su vida privada, fue, es y seguirá ya siendo un misterio.


Puede ser que el mismo cine, ese arte que la encumbró y después la traicionó nos deje parte de la respuesta. Quizás Robert Rossen la eligió como protagonista de la que fuera la última película de este gran y poco reconocido director. "Lilith" centra su atención en un centro de salud mental, en una historia de amor dura y visceral que la Seberg coprotagonizó junto a Warren Beaty. Sí, puede que un visionario como Rossen advirtiera de la fragilidad mental de la actriz.


Porque Jean Seberg no fue nunca una estrella al uso y eso, junto a sus demonios personales terminó por abocarla a un quasi obligado retiro. Socialmente se le asoció siempre a los movimientos de extrema izquierda (algo que en los liberales Estados Unidos nunca está bien visto) hasta el punto de ser simpatizante de los "Panteras Negras" un grupo que surgió a la sombra del Black Power (en defensa de los derechos de los afroamericanos) pero con tintes más violentos.


Y personalmente la búsqueda de un hijo fue su mayor frustración. Casada con Romain Gary, consiguió ser madre en el año 1962. Seberg no soportaba la idea de no tener hijos. Para cuando quedó de nuevo embarazada, el F.B.I. ya había echado sus redes sobre ella. Y, nadie sabe de donde, comenzó a correr el rumor que el hijo que llevaba no era de su marido sino del mismo lider de los "Panteras Negras". La presión social más su adicción a los barbitúricos provocó el drama de Seberg: su deseado hijo nació muerto.


El cine en el que participó a partir de entonces se encontró alejado de los focos de Hollywood,, centrándose en Francia y llegando a participar en alguna película en España ("La corrupción de Chris Miller") que mejor olvidar, un pais en el que parece que mantuvo una relación con nuestro desaparecido director Ricardo Franco, una relación extraña que se mantuvo en secreto hasta que Franco decidió plasmarla en la que luego sería su obra póstuma e inacabada, "Lágrimas negras".


Pero su vida personal se la fue llevando. De psiquiátrico en psiquiátrico, pérdida por las drogas, la bella Jean Seberg fue dinamitando su tiempo y podía ser vista por París como un mendigo cualquiera. Hasta que finalmente desapareció para ser encontrada días después, muerta, en el interior de un vehículo. Muchos llorarían su muerte pero el consumo de su figura fue culpa de todos.



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martes, 6 de marzo de 2012

COMO CONSEGUIR EL ÉXITO: GEORGE CLOONEY



Estoy seguro en que todos estaréis de acuerdo si digo que una de las personas más deseadas y también más envidiadas del star system de Hollywood, con permiso de Brad Pitt, ese es George Clooney. Hoy en día es un cotizado actor cuyo sólo nombre en los títulos de créditos hace que sube el caché de la película. Que lejos quedan sus años de “Urgencias” como el doctor Doug Ross.


Ya por entonces tuvo un gesto con la serie que le había dado el reconocimiento que honra al actor y que es el primer ejemplo de su carácter comprometido. Decidió compaginar su papel del dr. Ross con su nueva faceta de actor de cine. Gracias a “Urgencias” George Clooney comenzaba a abrirse paso en el mundo de Hollywood. Había conseguido uno de los papeles protagonistas de “Abierto hasta el amanecer, con guión de Tarantino y dirigida por Robert Rodríguez. Una película con dos partes muy diferenciadas (la primera policíaca con el atraco y posterior fuga y una segunda algo más terrorífica). Vamos, un primer homenaje de Tarantino y Rodríguez , algo más camuflado, a las grindhouses.




Un año antes de recalar en “Urgencias”, en 1993 participó junto a su primo en un film titulado “La cosecha” Y es que hasta su aparición en la serie Clooney había deambulado de plató en plató consumiendo papeles como invitado en series de televisión como “Hotel”, “Las chicas de oro” o “El halcón callejero”, una especie de “El coche fantástico” pero con moto. Y en el cine su papel de secundario de “La cosecha” no es el único. Cabría destacar sus apariciones en películas como “El retorno de los tomates asesinos” o “Terror en el instituto” considerada su primera aparición reconocida en la pantalla grande. Una peli de terror típica de serie B de los años 80. Un equipo vuelve a un instituto abandonado para realizar una película sobre los asesinatos que ocurrieron en el mismo lugar años atrás.


La suerte le sonrió en Hollywood de tal forma que finalmente tuvo que dejar la serie de Urgencias. “Un día inolvidable” donde participó junto a Michele Pfeiffer  (por cierto ambos hicieron una apuesta según la cual, Pfeiffer apostaba a que Clooney estaría casado en diez años. La ha perdido porque esto ocurrió en el año 1996, aunque Clooney ha sido visto actualmente con una nueva pareja, ya veremos), “El pacificador” junto a Nicole Kidman o la estupidez que fue “Batman y Robin” aunque el actor le quedaba muy bien el papel de Bruce Wayne, lo pusieron en el centro de todas las miradas, de las cinematográficas y de las mitómanas. Fue en esos tiempos que realizó una película junto a Jennifer López titulada “Un romance muy peligroso”



Esta mezcla de thriller y drama romántico está dirigida por Steve Soderbergh con el que George Clooney mantiene desde entonces una gran amistad tanto personal como profesional hasta el punto que hasta hace poco tenían su propia productora. También han vuelto a trabajar juntos en varias ocasiones como en “Solaris” o en la más reciente “El buen alemán”. Homenaje al cine clásico con claras referencias a “Casablanca” o “El tercer hombre”.


De todas formas, ese buen rollo, donde mejor se ha visto ha sido en la trilogía de Johnny Ocean. Hacía mucho tiempo que no se veía disfrutar tanto a los actores de una película como en esta trilogía de misiones imposibles desde el punto de vista de los atracadores. Glamour, acción, humor y sobre todo camaradería entre todos ellos. Así da gusto trabajar.
 

Otro escalón en su carrera para demostrar que no sólo era una cara bonita lo consiguió al conocer a los hermanos Coen. Con ellos participó en una comedia tipo Coen como “Oh, Brother!” y luego emulando a alguien con el que muchos lo han comparado aunque el no ha hecho mucho caso a esas comparaciones. Pero es que George Clooney nunca estará tan cerca de Cary Grant como en “Crueldad intolerable”

 
Reconocido como actor, soltero empedernido, con imagen de juerguista non stop y con un cerdo,”Max” que le regalaron y que ha tenido como mascota hasta que murió el año pasado, Clooney comenzó a dar rienda suelta a su papel de personaje comprometido. Después de dirigir su primera película “Confesiones de una mente peligrosa” con guión de Charlie Kaufman, su interpretación en “Syriana” que le reportó un Oscar y la dirección de su segunda película, “Buenas noches y buena suerte” le hacen conquistar el favor de la crítica especializada.


Y hasta hoy. Clooney tiene "chance" por partida doble. Ha sabido conjugar su vertiente de galán/juerguista noble y juguetón con otra más reivindicativa, junto a su carisma que, ¡ojo! viene desde los tiempos de "Urgencias". Yodo ello le ha aportado el reconocimiento tanto del público como de los especialistas en cine. Y él sigue creciendo, alternando proyectos más comerciales con otros más personales o "arriesgados" como "El americano" o "Los descendientes".



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